Irene García Robles pintora de Mondújar

 

🎨 «Prólogo»: Irene García Robles abre en Nigüelas las primeras páginas de una prometedora trayectoria artística

La joven creadora, vinculada a Mondújar desde su infancia, inauguró el 4 de agosto una exposición marcada por la variedad técnica, el color y la búsqueda de una voz propia

El pasado martes 4 de agosto de 2026, Nigüelas volvió a convertirse en lugar de encuentro para la cultura con la inauguración de «Prólogo», la exposición de la joven artista plástica Irene García Robles. La muestra, instalada en la sala de exposiciones del Ayuntamiento, formó parte de la programación de Las Bellas Artes del XXII FIAPMSE Festival & Promenade.

El título elegido no podía resultar más apropiado. Un prólogo es la puerta de entrada a una historia, la primera página de un recorrido que todavía está por escribirse. En el caso de Irene, representa el comienzo público de una trayectoria construida con años de aprendizaje, experimentación y dedicación. 🖌️✨

🌿 Una joven artista criada en el Valle de Lecrín

Irene García Robles nació en Granada el 29 de marzo de 2006 y creció en Mondújar, localidad del municipio de Lecrín. Su formación escolar comenzó en el Colegio de Talará y continuó en el IES Valle de Lecrín, en Dúrcal. Posteriormente cursó Bachillerato en el IES Severo Ochoa de Granada.

Actualmente estudia el grado de Bellas Artes en la Universidad de Granada, donde ya ha completado el segundo curso. A sus veinte años, Irene se encuentra en una etapa de formación y descubrimiento, pero posee una experiencia artística que comenzó mucho antes de su llegada a la universidad.

👨‍🎨 Pepe Martín, maestro de sus primeros pasos

La vocación de Irene empezó a tomar forma cuando tenía aproximadamente nueve años. Fue entonces cuando se incorporó a un taller de pintura de Dúrcal, donde trabajó durante casi una década bajo la guía de Pepe Martín.

Su maestro desempeñó un papel fundamental en aquellos años iniciales, ayudándola a adquirir una base técnica amplia y a familiarizarse con materiales muy diferentes. En el taller experimentó con el grafito, el carboncillo, el gouache, el óleo y el pastel, aprendiendo no solo a representar lo que observaba, sino también a desarrollar sensibilidad hacia el color, la composición y las posibilidades expresivas de cada procedimiento.

Aquella prolongada etapa de aprendizaje constituye el fundamento sobre el que Irene continúa construyendo su obra. La universidad ha ampliado posteriormente su horizonte con técnicas como el acrílico, el temple al huevo, la escultura en metal, los trabajos con polvo de piedra y la elaboración de moldes de yeso a partir de modelos realizados en barro.

Paralelamente, mantiene su interés por el dibujo digital y la ilustración, dos ámbitos que ocupan un lugar cada vez más importante dentro de su producción.

🌈 Una mirada cercana al impresionismo

La principal influencia reconocida por Irene es el impresionismo, algo que puede percibirse en su interés por la luz, por los contrastes cromáticos y por una pincelada libre que evita quedar completamente encerrada en el dibujo.

Aunque el óleo es uno de sus medios predilectos, la exposición de Nigüelas permitió comprobar que no desea limitarse a una sola técnica. Su trabajo avanza mediante la exploración: unas veces parte de la observación directa; otras busca una atmósfera, una emoción o una imagen más simbólica.

Los retratos, los animales, los paisajes, los bodegones y la figura humana aparecen entre sus temas habituales. Sin embargo, lo que une esa diversidad es una misma curiosidad: descubrir de qué manera el color y la materia pueden transformar un motivo cotidiano en una experiencia artística.

🏛️ Una sala llena de público y de curiosidad

Tras la intervención musical celebrada en el Patio del Ayuntamiento, numerosos asistentes pasaron a visitar la exposición. La sala llegó a encontrarse completamente llena, con visitantes recorriendo las paredes, deteniéndose ante los cuadros y conversando sobre las obras.

La afluencia fue una de las imágenes más destacadas de la noche. Personas de distintas edades se acercaron a conocer el trabajo de una artista joven vinculada al Valle de Lecrín, creando un ambiente cercano y animado. No se trataba únicamente de contemplar cuadros de manera silenciosa: el público comentaba, comparaba y preguntaba, convirtiendo la inauguración en un verdadero encuentro entre la artista y los espectadores. 👏🖼️

Irene estuvo presente durante la apertura, recibiendo las impresiones y felicitaciones de quienes se acercaban a saludarla. Para una creadora que comienza a mostrar públicamente su producción, ese contacto directo constituye también una parte importante del aprendizaje.

🖌️ Un recorrido por diferentes géneros y técnicas

La exposición reunía una selección muy variada de obras. En las paredes podían contemplarse paisajes, bodegones, retratos, estudios de objetos cotidianos, composiciones figurativas y pinturas de carácter más libre.

Entre las imágenes más llamativas se encontraba la representación de una joven ante el mar, envuelta en una luz cálida de atardecer. La pincelada suelta y la atmósfera dorada transmitían una sensación de contemplación y serenidad.

Otra obra mostraba una figura recostada entre formas florales y colores intensos. Los tonos rojizos, anaranjados, verdes y azules construían una escena casi onírica, situada entre la realidad y la evocación.

También se exponían pinturas dedicadas a objetos aparentemente sencillos: unas ruedas, una mochila acompañada de unas zapatillas, recipientes, frutas, botellas y utensilios. Irene demuestra así que la pintura puede encontrar interés en aquello que forma parte de la vida diaria.

Uno de los trabajos identificados en la muestra era «Bodegón Hula-hoop», realizado en 2025 mediante grisalla con óleo sobre lienzo. La obra evidencia su interés por estudiar volúmenes, luces y sombras antes de introducir plenamente el color.

🌊 Entre la figuración y la experimentación matérica

Junto a las obras más reconocibles aparecían otras propuestas de carácter más experimental. Una gran composición sobre fondo azul incorporaba relieves, texturas, formas orgánicas, elementos dorados y materiales que parecían salir de la superficie pictórica.

Este tipo de trabajo mostraba una voluntad de ir más allá del cuadro entendido únicamente como superficie plana. La materia se convertía también en lenguaje: acumulaciones, hilos, volúmenes y elementos superpuestos invitaban a observar la obra desde diferentes distancias.

Estas piezas permiten apreciar la influencia de su formación universitaria, donde Irene ha comenzado a trabajar con escultura, modelado, moldes y materiales no estrictamente pictóricos.

✏️ Retratos, dibujos y pequeñas creaciones

Una mesa situada dentro de la sala reunía otra parte esencial de la exposición. Allí podían contemplarse dibujos, retratos realizados en blanco y negro, ilustraciones, pequeñas esculturas, composiciones artesanales y trabajos tridimensionales.

Los retratos mostraban la capacidad de Irene para captar expresiones y rasgos mediante el grafito y el sombreado. Frente a la libertad cromática de sus pinturas, estos dibujos revelaban paciencia, observación y precisión.

También llamaba la atención una construcción semejante a un pequeño escenario o casa desplegable, llena de espacios, personajes y detalles. La pieza conectaba con su interés por la ilustración, la narración visual y la creación de mundos imaginados.

La convivencia de pinturas de gran formato con dibujos, esculturas y pequeños objetos permitía comprender que «Prólogo» no era una exposición cerrada en un único estilo. Era, precisamente, el testimonio de una artista que está probando caminos y descubriendo dónde puede encontrarse su lenguaje más personal.

🐾 Retratos, animales, bodegones y paisajes

La producción de Irene recorre géneros muy diversos. Entre los cuadros expuestos se apreciaban bodegones de flores y recipientes, frutas, objetos domésticos y composiciones en las que la luz adquiría un protagonismo especial.

También aparecían animales, rostros humanos y paisajes. Algunas obras conservaban una estructura académica más evidente, mientras otras mostraban una pincelada cada vez más espontánea.

Esa alternancia no debe entenderse como falta de unidad, sino como parte natural de su proceso de formación. Irene está aprendiendo de la tradición, practicando la observación y, al mismo tiempo, buscando una forma propia de relacionarse con la pintura.

📖 El significado de «Prólogo»

El título de la exposición resume el momento en el que se encuentra su autora. Las obras seleccionadas reflejan años de aprendizaje, pero también anuncian algo que todavía está comenzando.

Cada cuadro representa una etapa, un ejercicio, un descubrimiento o una posibilidad. La exposición no pretende presentar una obra definitiva, sino compartir el proceso mediante el cual una joven creadora empieza a reconocerse dentro de su propia producción.

«Prólogo» es, por tanto, una declaración honesta: Irene no presenta el final de un camino, sino el comienzo de una historia artística.

🌟 Una creadora del Valle que empieza a encontrar su voz

La inauguración del 4 de agosto permitió descubrir a una artista joven, cercana y abierta a la experimentación. Irene García Robles posee una sólida base adquirida durante sus años de aprendizaje con Pepe Martín y continúa ampliando sus conocimientos en la Facultad de Bellas Artes de Granada.

Su obra actual combina observación, color, sensibilidad y curiosidad técnica. En ella conviven los paisajes del exterior y los espacios interiores, los objetos cotidianos y las figuras soñadas, el dibujo preciso y la materia libre.

La exposición de Nigüelas fue una oportunidad para contemplar todo ese proceso reunido en una misma sala. También fue una celebración del talento joven nacido y formado en el entorno del Valle de Lecrín.

Quedan todavía muchas páginas por pintar, muchas técnicas por descubrir y numerosas experiencias por vivir. Pero el primer capítulo ya ha comenzado, y lo ha hecho ante un público que llenó la sala, observó con interés y acompañó con afecto los primeros pasos públicos de Irene García Robles. 🎨🌿

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La Paleta de Pepe, José Moreno

Cuadro de José Moreno 

 🎨 La Paleta de Pepe: veinte cuadros para entender la mirada pictórica de José Moreno de Dúrcal.

Hay artistas que pintan desde la academia, desde la norma, desde el cálculo exacto de la forma.

Y hay otros que pintan desde el impulso, desde la mirada, desde esa necesidad casi física de atrapar una emoción antes de que se escape.

José Moreno, más conocido como “La Paleta de Pepe”, cordobés, de Baena concretamente, con nueve lo llevaron para Barcelona, allí cincuenta, y en Dúrcal está residiendo desde el año 2013.

 José pertenece a esta segunda familia: la de los pintores intuitivos, expresivos, libres, capaces de saltar de un perro a un tigre, de una anciana a una máscara fantástica, de un Cristo sereno a unos barcos blancos flotando en la oscuridad. 🖌️✨

También es fotógrafo, y eso se nota. Aunque de sus fotografías del Valle de Lecrín hablaremos otro día, en sus cuadros ya aparece esa condición de hombre que mira mucho. Pepe observa los ojos, los gestos, las sombras, los reflejos, los animales, el agua, los rostros y las pequeñas escenas. Y luego las traduce con pincel, carboncillo, tinta, aguadas, color y una libertad muy reconocible.

Su pintura no busca ser fría ni excesivamente pulida. Tiene algo de apunte rápido, de boceto vivo, de acuarela expresiva, de gouache, de carboncillo, de dibujo de taller y de mancha emocional. No le interesa tanto cerrar la obra hasta dejarla perfecta como dejarla respirando. Y ahí está una de sus señas: muchos de sus cuadros parecen conservar todavía el temblor del momento en que fueron creados.

🐶 1. El perro canela: la ternura en los ojos.

El primer perro, de tonos blancos y canela, demuestra una de las grandes virtudes de Pepe: sabe colocar la emoción en la mirada. El hocico, la oreja, el cuello y las manchas están resueltos con pinceladas sueltas, pero los ojos concentran toda la vida del animal. No es solo un retrato de perro. Es una presencia cercana, doméstica, noble, casi humana.

🐅 2. El tigre: fuerza y movimiento.

El tigre avanza entre manchas naranjas, negras y blancas. No está pintado de manera minuciosa, sino con energía. El cuerpo parece moverse, salir del papel, atravesar una niebla clara. Aquí Pepe acierta porque no domestica al animal: lo deja con su fuerza salvaje, con su tensión, con su instinto.

👩 3. La figura femenina de espaldas: silencio y modernidad.

La mujer sentada, casi de espaldas, es una obra muy distinta. Tiene algo de figura mediterránea, de cuerpo sugerido más que descrito. El rostro apenas aparece. Lo importante es la postura, el cuello, el brazo, la soledad de la escena. Es una pintura de atmósfera, más moderna, más íntima, donde el vacío también habla.

🐱 4. El gato: elegancia de línea.

El gato es uno de los trabajos más delicados. La mezcla de tinta, blanco, ocres y líneas rápidas consigue una cabeza viva, elegante, felina. Los bigotes y los ojos están trabajados con intención. Aquí Pepe demuestra que domina muy bien la economía del trazo: no necesita decirlo todo para que el animal aparezca completo.

🌊 5. El paisaje marino: color, espuma y materia.

El mar, con sus azules, verdes, blancos y rocas, muestra al pintor más paisajista. No es un paisaje copiado al milímetro. Es un mar sentido, recordado, movido. La espuma se resuelve con blancos vivos; las rocas, con masas cálidas; el horizonte, con una pincelada amplia. Tiene música, tiene aire, tiene oleaje.

🧑‍🎤 6. El retrato del hombre duro: carácter y expresionismo.

El retrato masculino con estética rebelde, pendiente, bigote y calaveras tiene un aire casi de cómic adulto, de carboncillo expresionista. Es una obra de carácter fuerte. La mirada es desafiante, el rostro aparece marcado, y el conjunto transmite personalidad. Pepe aquí se acerca al retrato psicológico, no al simple parecido.

🦌 7. El ciervo: nobleza entre la hierba.

El ciervo aparece rodeado de vegetación, con la cornamenta abierta y una expresión serena. La pincelada es rápida, casi rústica, pero logra transmitir nobleza. El animal no está aislado: pertenece al campo, a la maleza, a la espesura. Hay en él algo de naturaleza cercana, de monte observado con cariño.

✝️ 8. El Cristo: espiritualidad sencilla.

El rostro de Cristo, en grises, es una de las obras más recogidas. No hay exceso dramático. No hay teatralidad. Hay silencio. Los ojos cerrados, la cabeza inclinada, la barba y el cabello crean una imagen devocional, íntima, sencilla. Pepe no busca aquí impresionar, sino transmitir paz.

🕊️ 9. Las aves: composición y compañía.

La pareja de aves, con tonos verdosos, azulados y oscuros, tiene una composición muy atractiva. Las dos cabezas se aproximan, casi como si formaran una sola presencia. Hay protección, cercanía, unión. Es una obra donde el fondo oscuro ayuda a destacar la delicadeza de las formas.

👁️ 10. El ojo: pintar la mirada

El ojo aislado es casi una declaración de principios. En la pintura de José Moreno la mirada manda. La luz dentro de la pupila, las pestañas, el contorno y la ceja revelan una atención especial al detalle expresivo. No es un simple ejercicio anatómico: es una reflexión sobre el mirar.

⛵ 11. Los barcos blancos en la noche: síntesis y poesía

Los dos veleros blancos sobre fondo negro son uno de los cuadros más sugerentes. Hay muy pocos elementos: negro, blanco, algunos reflejos azules. Y, sin embargo, la escena funciona. Los barcos parecen flotar en una noche silenciosa, casi musical. Es una obra de gran acierto compositivo porque demuestra que Pepe también sabe pintar quitando, reduciendo, dejando solo lo esencial.

🎭 12. La máscara fantástica: fantasía, color y teatralidad

La figura con cuernos, tocado, maquillaje y cuello ornamental abre otra puerta: la del mundo fantástico, carnavalesco, teatral. Aquí el color se vuelve más decorativo. Los ojos azules, los labios rojos, los adornos y la simetría crean una imagen poderosa. Es una pintura más elaborada, más ornamental, donde Pepe se divierte con la imaginación.

🐦 13. El pájaro en el agua: frescura y movimiento

El pequeño pájaro metido en el agua es una de las obras más luminosas. El azul del agua, los reflejos, las ondas circulares y el blanco del plumaje están muy bien resueltos. Hay frescura, vida y observación. Se nota la mirada del fotógrafo: ese instante mínimo de un animal tocando el agua está captado con sensibilidad.

👵 14. La anciana del pañuelo rojo: humanidad y memoria

El retrato de la mujer anciana con pañuelo rojo tiene mucha fuerza. Las arrugas, los ojos, el rostro curtido y el color intenso del pañuelo hablan de vida, de años, de camino, de memoria. Es uno de los retratos más humanos del conjunto. Aquí Pepe no embellece artificialmente: respeta la verdad del rostro.

😈 15. El rostro de villano teatral: fuerza gráfica

El personaje de sonrisa inquietante, resuelto en negro, blanco y grises, muestra al Pepe más gráfico. Es casi una ilustración de energía oscura, con líneas tensas, pelo levantado, sonrisa exagerada y ojos cargados de intención. Funciona por contraste, por impacto visual, por fuerza expresiva.

👀 16. Los ojos y la nariz: lo mínimo para sugerir un rostro

Esta obra es muy interesante porque deja el rostro casi sin terminar. Solo aparecen los ojos, las cejas, la nariz y una sombra suave. El resto queda en blanco. Y aun así hay presencia. Pepe demuestra aquí que no siempre hace falta completar una cara para que el espectador la sienta. A veces basta con una mirada.

👩‍🦱 17. La joven del pañuelo verde: dulzura y color

El retrato femenino con pañuelo verde y vestido lila tiene una belleza serena. Es una obra más amable, más luminosa, con un tratamiento delicado del rostro. Los pendientes, el pañuelo, los ojos oscuros y el encaje del vestido aportan un aire popular, casi de retrato costumbrista idealizado. Es una pintura que une dulzura y elegancia.

🧍‍♀️ 18. La mujer sentada: dibujo y gesto

La figura femenina en tonos suaves, apoyada con una mano, está más cerca del dibujo de estudio. El cuerpo está sugerido con líneas rápidas y manchas cálidas. Hay naturalidad en la postura y un aire de intimidad. No es una obra acabada al detalle, pero sí muy expresiva. Parece capturar un instante de descanso.

🚴 19. El ciclista: sombra, infancia y movimiento

El ciclista es una obra muy sencilla, casi una silueta sobre fondo azul claro. Pero tiene encanto. La bicicleta, el cuerpo, la sombra alargada y el vacío del fondo crean una imagen limpia, directa. Puede recordar a una escena de infancia, a una tarde de verano, a un muchacho cruzando una calle o un camino. Aquí Pepe pinta casi con memoria.

🐕 20. El perro blanco: suavidad y nobleza

El último perro, blanco y trabajado en grises muy suaves, es otro gran acierto. El hocico, los ojos húmedos, la boca y las sombras del pelaje están tratados con sensibilidad. Es una obra menos colorista, más contenida, pero muy emotiva. De nuevo, la mirada del animal sostiene todo el cuadro.

🎨 ¿Qué estilo realiza José Moreno?

Por lo que muestran estas veinte obras, José Moreno no pertenece a un único estilo cerrado. Su pintura se mueve entre la figuración expresiva, el retrato intuitivo, la acuarela de mancha libre, el dibujo con carboncillo, la ilustración artística y cierto expresionismo amable, especialmente en los rostros, animales y personajes fantásticos.

No es un pintor hiperrealista, aunque en algunos detalles demuestra capacidad para acercarse mucho a la realidad. Tampoco es abstracto, porque siempre parte de una figura reconocible: un perro, un gato, un ciervo, una mujer, un Cristo, un barco, un pájaro, una máscara. Su territorio está en medio: entre lo real y lo emocional.

✨ Características principales de su pintura:

🖌️ Pincelada suelta y espontánea.

Pepe no oculta el trazo. Lo deja visible. Eso da frescura a la obra.

👁️ Importancia absoluta de la mirada.

Perros, gatos, mujeres, ancianas, personajes y animales viven a través de los ojos.

🎨 Color emocional.

Usa rojos intensos, verdes, azules, ocres, blancos y negros no solo para describir, sino para crear clima.

🐾 Amor por los animales.

En sus perros, gatos, aves, ciervos y tigres hay respeto, ternura y carácter.

✍️ Fuerte base de dibujo.

Aunque parezca pintar con rapidez, detrás hay estructura, proporción y sentido de la línea.

🌫️ Fondos abiertos y zonas inacabadas.

Muchos cuadros respiran porque no están saturados. El blanco del papel forma parte de la obra.

🎭 Gusto por lo teatral y lo fantástico.

Las máscaras, rostros exagerados y personajes intensos muestran una imaginación atrevida.

🌟 Sus mayores aciertos:

El primer gran acierto de La Paleta de Pepe es la vida que consigue en los ojos. Hay artistas que pintan bien un cuerpo, una ropa o un paisaje, pero no logran que la mirada respire. Pepe sí lo consigue muchas veces. En sus perros, en el gato, en la anciana, en la joven del pañuelo verde, en el ojo aislado y en los retratos, la mirada tiene peso.

El segundo acierto es la frescura. Sus cuadros no parecen excesivamente corregidos. Conservan el impulso inicial. Eso les da verdad. A veces una obra demasiado perfecta pierde alma; en Pepe ocurre lo contrario: la imperfección, el trazo visible y la mancha abierta hacen que la obra parezca más viva.

El tercer acierto es la variedad temática. No se queda en un solo registro. Pinta animales, figuras humanas, paisajes, escenas de agua, símbolos religiosos, fantasía, barcos, bicicletas y retratos. Esa variedad habla de curiosidad, y la curiosidad es una de las raíces del arte.

El cuarto acierto es su capacidad para emocionar sin cargar demasiado la escena. Un barco blanco sobre negro, un perro casi desvanecido, unos ojos sin rostro completo, un pájaro en el agua… muchas veces le basta poco para decir bastante.

🌿 Un artista de mirada libre:

José Moreno, La Paleta de Pepe, pinta como quien mira el mundo con asombro. No se limita a copiar. Interpreta. A veces acaricia la imagen; otras veces la golpea con negro, con rojo, con línea nerviosa. Su pintura puede ser tierna, espiritual, animal, fantástica, popular o moderna, según el tema que tenga delante.

Y eso es precisamente lo interesante: no estamos ante una pintura domesticada, sino ante una pintura viva. Una pintura con aciertos muy claros, con zonas abiertas, con búsqueda, con oficio intuitivo y con mucha personalidad.

Dúrcal desde hace trece años tiene en José Moreno no solo a un pintor, sino también a un testigo visual. Hoy hablamos de sus cuadros. Otro día habrá que hablar de sus fotografías, de esas escenas del Valle que su cámara habrá sabido recoger: calles, rincones, luces, fiestas, paisajes, rostros y momentos que también forman parte de nuestra memoria colectiva. 📷🌿

Porque al final, tanto con la cámara como con el pincel, Pepe hace una misma cosa: mirar.

Y cuando alguien mira con alma, el arte aparece.

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Carmen Egea Mallorquín

✨ Carmen Egea Mallorquín: La Poesía Silenciosa de la Luz Granadina ✨

En las colinas de Castril, donde el viento susurra historias entre olivos y rocas milenarias, nació Carmen Egea Mallorquín. Afincada desde joven en Granada, esta pintora ha convertido su vida en un acto de contemplación constante. Profesora de vocación, comenzó su camino artístico de manera autodidacta, guiada por un amor innato por el color y la forma. Nunca abandonó el pincel, incluso mientras ejercía la docencia.

Su formación se enriqueció en la Escuela Normal de Granada, donde recibió clases de dibujo y pintura de maestros como Jesús Conde y Jesús González. A partir de 2016-2017 profundizó su técnica con Nadia Semerozum (acuarela) y Juan Garcés (óleo), lo que le permitió consolidar un lenguaje propio. Ha expuesto en el Centro Artístico de Granada, en el Colegio de Gestores Administrativos y en diversas muestras colectivas, con títulos evocadores como “Tradición o Modernidad” (2023) e “Naturaleza y Vida” (2024).

Su firma aparece a menudo como Carmen Egea o Caregma, y su obra respira un equilibrio delicado entre memoria y presente. 🌿

🖌️ Su Estilo: Figuración Poética

Carmen Egea practica lo que ella misma denomina figuración poética. No huye de lo decorativo, ni teme lo “bonito”. Al contrario: abraza con valentía la belleza que habita en lo cotidiano. Su pintura se sitúa en la frontera fértil entre realismo figurativo y impresionismo, donde la luz no solo ilumina, sino que narra.

Trabaja principalmente con óleo sobre lienzo, aunque domina también la acuarela y el acrílico. Su pincelada es dual: precisa y sólida cuando construye arquitectura o estructuras, y suelta, vibrante y descompuesta cuando captura agua, follaje o atmósfera. La luz es su gran protagonista: irrumpe, modela volúmenes, crea claroscuros dramáticos y genera esa atmósfera cálida y lírica que caracteriza toda su producción.

No pinta para galerías ni para seguir modas. Pinta lo que le emociona a ella. Y en esa honestidad radica su mayor encanto. Como bien dice ella: “Es necesario pintar lo que nos guste a nosotros”.

🌟 Obras Más Destacadas y Comentarios

“Lavadero del Tío Bayo” (o Lavadero de Albuñuelas)

Óleo sobre lienzo, 130 × 160 cm.

Aunque Carmen no está especialmente vinculada biográficamente a Albuñuelas, este cuadro es uno de sus más potentes y comentados. La artista convierte un antiguo lavadero en un espacio casi mágico. Los arcos de piedra enmarcan una perspectiva profunda que invita a adentrarse en la escena. La luz entra desde la izquierda como un personaje más, acariciando los muros ásperos y creando un juego de sombras que aporta volumen y misterio. El agua, tratada con pincelada impresionista, parece vibrar. Los contrastes entre los tonos cálidos del ladrillo y el verde azulado profundo del agua generan un foco visual hipnótico. Es una obra que equilibra la solidez estructural con la efímera impresión lumínica. Un canto a la memoria colectiva andaluza. 🏞️

“Pavo Real en el Carmen de los Mártires”

Óleo sobre lienzo, 73 × 90 cm.

Aquí la figuración poética alcanza una delicadeza exquisita. El pavo real, con su plumaje iridiscente, se convierte en centro de un instante íntimo y lleno de encanto dentro de uno de los rincones más románticos de Granada. La luz tamizada entre la vegetación y la arquitectura crea una atmósfera casi onírica.

✨ Danza del Vientre – Carmen Egea ✨

Una mujer convertida en llama viva 🌺.

Su vientre ondula como un verso antiguo, centro del mundo y del deseo 🔥.

Brazo elevado al cielo, invocando estrellas ✨.

Cadera firme, sonrisa triunfante 😊.

La falda fluye como río de vino y fuego 🌊.

Detrás, las tinajas derraman agua que canta en silencio 🪔.

Sensualidad sagrada, libertad hecha carne 💖.

Un instante detenido donde la mujer es diosa, música y poder.

Pura poesía en movimiento. ❤️

Obras de la serie “Naturaleza y Vida”.

Acuarelas y óleos dedicados a paisajes granadinos y al Cabo de Gata (Isleta del Moro). En estas piezas prescinde de la figura humana para centrarse en plantas, flores y paisajes. La serenidad y la admiración ante la naturaleza se transmiten con pinceladas fluidas y una paleta atmosférica de verdes grisáceos, rosas apagados y ocres luminosos.

Otras menciones recurrentes en su trayectoria incluyen vistas de la Huerta del Generalife, la Fuente de los Gigantones en la Plaza Bib-Rambla y rincones del Albaicín o el Carmen de los Mártires, donde capta la esencia poética de Granada: luz, agua, piedra y vegetación en perfecta armonía.

🔮 Hacia la Abstracción.

Tras exponer su actual serie figurativa, Carmen se prepara para dar un paso valiente: una nueva serie de abstracción. Este giro no supone una ruptura, sino una evolución natural. La misma sensibilidad por la luz, el color y la emoción que impregna su figuración poética podrá liberarse ahora de la referencia literal, explorando pura atmósfera y sentimiento. Será fascinante ver cómo esa “belleza sin miedo” se transforma en un lenguaje más libre y gestual.

Carmen Egea nos recuerda que el arte verdadero nace del placer personal, no de la aprobación ajena. Su obra invita a detenerse, a respirar hondo y a redescubrir la belleza que habita en lo sencillo y lo cotidiano. Una luz granadina que sigue brillando con autenticidad. 🌟

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Lavadero del Tío Bayo de
Albuñuelas 

Pepe Martín y el Lilium Dei

La obra Lilium Dei 

 🎨 Pepe Martín, pintor y el Lilium Dei 

Pepe Martín  es un artista con una larga y sólida trayectoria, vinculado desde hace décadas a la pintura figurativa y al trabajo paciente del óleo. Su obra se caracteriza por una mirada serena, profunda y respetuosa hacia los espacios, la luz y el simbolismo, con especial sensibilidad para los interiores arquitectónicos y los temas de carácter espiritual.

Desde los años 90 ha desarrollado una intensa labor creativa y docente, compaginando su propia producción artística con la formación de nuevos pintores. En sus cuadros, Pepe Martín no solo representa lugares, sino atmósferas: espacios cargados de memoria, silencio y emoción, donde la luz y el detalle invitan a la contemplación.

Su pintura se mueve entre la fidelidad al realismo y una interpretación poética de la realidad, convirtiendo cada obra en una experiencia íntima para el espectador.

🌸 Lilium Dei — El lirio que habita el silencio del templo 🌸

🖼️ Análisis de la obra (óleo sobre lino)

La pintura representa el interior de la Iglesia de Dúrcal, abordado con una mirada profundamente contemplativa y simbólica. El espacio no es solo arquitectónico: es espiritual.

⛪ Composición y perspectiva

La obra se construye desde una perspectiva central muy marcada, con la nave conduciendo la mirada hacia el altar. Este eje visual crea una sensación de recogimiento, orden y trascendencia, como si el espectador avanzara en silencio hacia lo sagrado. Los arcos, bancos y muros refuerzan una atmósfera de estabilidad y permanencia.

💡 Luz y atmósfera

La iluminación es suave, tamizada, casi devocional. No hay dramatismo excesivo, sino una luz interior, serena, que envuelve el espacio y sugiere oración, espera y calma. El templo aparece vacío, lo que acentúa la idea de presencia espiritual más que humana.

🌼 El lirio: símbolo central

En primer plano irrumpe el lirio amarillo, elemento clave de la obra. El lirio —Lilium— es símbolo tradicional de pureza, divinidad, resurrección y presencia de Dios. Al situarlo fuera del espacio arquitectónico, casi emergiendo hacia el espectador, el artista une naturaleza y fe, lo terrenal y lo celestial.

✨ El lirio no adorna: revela.

Es el “signo vivo” de lo divino dentro del silencio del templo.

🙏 Sentido profundo de la obra

Lilium Dei puede leerse como una metáfora visual de la fe interior:

La iglesia, como espacio construido por el hombre.

El lirio, como don de Dios.

Ambos dialogan en un mismo plano, recordando que lo sagrado no solo habita en los muros, sino también en lo sencillo, en lo vivo, en lo puro.

🎨 

Esta obra no busca el impacto inmediato, sino la contemplación pausada. Es una pintura que invita a detenerse, a guardar silencio y a mirar hacia dentro. Un homenaje al espacio sagrado… y a la fe que florece sin ruido.

🌿⛪✨

El pintor Pedro Triguero Colmenero

 🎨 EL LIRIO Y EL DUENDE DE LA MATERIA: PEDRO TRIGUERO COLMENERO Y LA FUERZA DE SUS CINCO ETAPAS

✍​ Por [ Miguel Ángel Molina Palma]

​ El arte de la provincia tiene un nombre con profundas raíces en la geografía y la emoción andaluzas: Pedro Triguero Colmenero (Jaén, 1958), pintor afincado en Maracena, cuya trayectoria reciente se ha convertido en un fascinante viaje pictórico dividido en cinco etapas. Formado en Bellas Artes y bajo la tutela de figuras como Asunción García del Mármol, Triguero ha forjado un estilo inconfundible, donde el grueso empaste es la herramienta para explorar el lirismo de la poesía de Miguel Hernández, Machado y la esencia lorquiana de su tierra.

​Su obra no es solo figuración; es un diálogo constante entre la materia bruta y la intensidad del color.

​🌟 TRAYECTORIA Y EXPOSICIONES DESTACADAS

​A lo largo de su carrera, Triguero ha llevado su visión del costumbrismo y la expresión a diversos espacios. Entre sus exposiciones más notables se encuentra "Mi Jaén Mítico" (2019), una muestra de óleos y acuarelas que recuperaban rincones y fachadas perdidas del Jaén antiguo. Además, ha participado en convocatorias de prestigio como "PURO ARTE" (2020) y "SILOarte3" (2022), organizadas por la Asociación Española de Pintores y Escultores. Su constante apego a la temática andaluza y la experimentación formal pueden seguirse en su blog oficial.

​🧭 LAS CINCO ETAPAS DE SU EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA (2011 - ACTUALIDAD)

​La obra de Triguero Colmenero se articula en cinco fases definidas por el mismo artista, un testimonio de una búsqueda estilística incesante:

​1. PRIMERA ETAPA: LA RAÍZ Y EL OFICIO

​Sus inicios se caracterizan por el Realismo Regional y Costumbrista. El pintor se vuelca en capturar la vida sencilla de Andalucía, los oficios tradicionales y la flora autóctona. Técnicamente, utiliza un empaste denso y una pincelada descriptiva, con una paleta orgánica y contenida. Las obras de esta fase, como "Limas en flor" y la emotiva "Juan haciendo pleita", son una celebración de la verosimilitud y el apego a la tradición.

​2. SEGUNDA ETAPA: LA EXUBERANCIA CROMÁTICA

​El color toma la delantera en su segunda fase. Triguero abandona la descripción detallada para adentrarse en paisajes que se sienten más simbólicos y oníricos. Su estilo evoluciona hacia una pincelada fragmentada, gestual y cuasi-puntillista, liberando la forma. Utiliza una explosión de colores vibrantes aplicados con gran carga de empaste, creando una intensa vibración visual, como se aprecia en el potente ascenso de "Tramos de peldaños".

​3. TERCERA ETAPA: EL DRAMA DE LA LUZ

​La tercera etapa supone un regreso al paisaje reconocible, pero con una intención puramente dramática. El artista utiliza un contraste cromático dual para infundir grandeza a la escena, especialmente a los cielos, tiñéndolos de colores ardientes. La fuerza del cielo en "Humedal del Padul (Granada)" ejemplifica cómo el color se convierte en el motor emocional del lienzo.

​4. CUARTA ETAPA: LA GRISALLA Y LA INTROSPECCIÓN

​La cuarta fase representa el cambio más radical: el abandono del color. Definida por el propio pintor como "Grisalla", la obra se concentra en la escala de grises, blancos y negros para explorar temas de introspección y la figura humana. La técnica simula la solemnidad de un grabado, pero ocasionalmente irrumpe un toque de color intenso, como el rosa vibrante del coche en "París (Francia)" o la luz sobre la figura de "Desequilibrio", para acentuar el drama.

​5. QUINTA ETAPA:

💥 EXPRESIONISMO CROMÁTICO (O VISCERAL)

 

​En su etapa actual, denominada por el autor "Tremendismo (Realismo Social)", Triguero retorna al color, pero lo utiliza con una fuerza casi violenta. El estilo es un Expresionismo Figurativo donde la realidad es sometida a una intensidad sin concesiones. La técnica distintiva es el uso de colores saturados y puros que contrastan fuertemente, y la aplicación de contornos oscuros y marcados (efecto cloisonné). Obras como "El secreto de las amapolas" y "Fresias" demuestran cómo la belleza es tratada con tal crudeza y vitalidad que se transforma en una experiencia visual impactante.

​Pedro Triguero Colmenero se consolida así como un artista que, desde su taller en Maracena, utiliza el lienzo como campo de batalla para el color y la emoción, dejando una huella de materia y duende en el panorama artístico.

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El PINTOR GRANADINO RAFAEL DUEÑAS

Rafael Dueñas 

 🎨 RAFAEL DUEÑAS: el pintor granadino que transforma el alma en arte

Hablar de Rafael Dueñas es hablar de un artista granadino que ha sabido convertir la pintura en un lenguaje del alma. Nacido en Granada en 1971, Dueñas es un referente en el ámbito del dibujo, la acuarela, el óleo y el pastel. Su estilo, delicado y evocador, nos transporta a un universo entre lo real y lo soñado, con una especial devoción por la Alhambra y los paisajes de su tierra.

📚 Formación y trayectoria

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, desde muy joven mostró un talento innato para el dibujo. Su carrera lo llevó no solo a pintar, sino también a enseñar, dedicando cerca de quince años a la docencia en talleres de dibujo y pintura, donde ha formado a decenas de alumnos de todas las edades y condiciones.

🖼️ Un estilo propio

Su pintura destaca por un carácter romántico y onírico, que recuerda la sensibilidad literaria de Washington Irving. La Alhambra es uno de sus grandes temas, reinterpretada con luces, transparencias y colores que transmiten misterio y poesía. Sus obras han viajado a colecciones privadas dentro y fuera de Europa, convirtiéndolo en un embajador silencioso del arte granadino.

🏛️ Galerías y exposiciones

Dueñas fue fundador y director de la galería Rincón del Arte en Granada, desde donde impulsó también a otros artistas figurativos. Su trayectoria expositiva incluye muestras individuales y colectivas. Entre ellas destaca la exposición EmulsionARTE (2018, Ogíjares), junto al pintor Pepe Martín, donde su acuarela dialogó con bodegones en una propuesta de gran éxito.

En los últimos años ha estado muy presente en el Valle de Lecrín, donde ha organizado junto a sus alumnos exposiciones en lugares emblemáticos como la Casa de la Cultura de Melegís (2022) o el Molino centenario de Mondújar (2025). Estos eventos han sido un verdadero encuentro entre generaciones, mostrando tanto sus obras como las de sus discípulos, en un ejercicio de humildad, cercanía y celebración del arte comunitario.

🙏 Encargos y proyectos especiales

Su prestigio ha llevado a encargos singulares, como la creación de dos óleos exclusivos para la Iglesia de San Antón de Béznar (presentados en noviembre de 2024). También ha participado en proyectos internacionales, como un encargo con motivo del XX aniversario de hermanamiento de dos pueblos celebrado en Francia (2024).

📺 Presencia mediática

En 2022, Rafael Dueñas y su alumnado participaron en la grabación del programa de TVE “Vuelvo a empezar”, compartiendo plató con personalidades del periodismo y la ciencia, y mostrando el impacto social y humano del arte en la vida de las personas.

🖌️ Filosofía y sensibilidad

Dueñas no concibe el arte como un simple oficio. En sus propias palabras:

> “En cada cuadro vivido se escriben las memorias del alma.

En cada pincelada, el corazón susurra secretos al lienzo o al papel.”

Esa sensibilidad se refleja tanto en su producción personal como en la manera en que transmite la pasión por la pintura a sus alumnos, a quienes agradece siempre su esfuerzo, dedicación y humanidad.

🌍 Un artista vivo, actual y comprometido

Hoy, Rafael Dueñas continúa trabajando desde su estudio-galería en el centro de Granada, abierto a exposiciones, encargos y talleres. Combina la creación artística con la enseñanza y la participación en iniciativas culturales que mantienen vivo el espíritu del arte como puente entre las personas.

✨ Rafael Dueñas es mucho más que un pintor: es un sembrador de belleza, un maestro que acompaña, un artista que sabe que en cada trazo se esconde un pedazo de alma.

📲 ¿Quieres conocer más de su obra o contactar con él?

 Puedes hacerlo a través de su web oficial 👉 rafaelduenas.es

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Plaza Birranbla 

El pintor Manuel Molina Ibáñez de Dúrcal

 Manuel Molina Ibáñez, un ejemplo de talento, constancia, inspiración y amor por la pintura

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El Valle de Lecrín ha sido cuna de artistas que, desde la sencillez de sus raíces, han sabido proyectar en sus lienzos la esencia de nuestra tierra. Entre ellos destaca la figura de Manuel Molina Ibáñez, pintor nacido en el barrio de Almócita de Dúrcal, cuya vida estuvo marcada por una profunda vocación artística y una pasión inquebrantable por la pintura.

Desde niño mostró un talento especial para el dibujo, que lo llevó a formarse en la Escuela de Bellas Artes y en la Escuela de Artes y Oficios de Granada, donde tuvo como maestros a Juan Enrique Rafal Revelles y Luis Rodríguez, discípulo a su vez del reconocido Gabriel Morcillo. Aquellas enseñanzas cimentaron un estilo personal en el que se entrelazaban la tradición académica y la fuerza expresiva.

Su obra se nutrió de los grandes genios universales: buscó la suavidad de Murillo, la potencia y valentía de Goya y el realismo de Velázquez, al tiempo que se dejaba influir por el impresionismo de Cézanne, Monet o Renoir, y por españoles como Sorolla y Zuloaga. El resultado fue una pintura de gran riqueza tonal, capaz de moverse entre la delicadeza y la intensidad.

En sus lienzos cultivó una gran diversidad de géneros: paisajes, bodegones, retratos, autorretratos y, de manera muy especial, la pintura religiosa y mística. En su casa se conservaban imágenes de santos, vírgenes y cristos, reflejo de la dimensión espiritual que impregnaba parte de su obra.

Su nombre quedó ligado a exposiciones y certámenes. Participó en Bailén-Arte y expuso en el Centro de Cultura de Granada, además de estar presente en iniciativas colectivas de artistas locales. Ya en 1996, aparece citado junto a otros pintores durqueños en las crónicas culturales de la comarca, muestra de su activa implicación en la vida artística de su pueblo. También obtuvo premios y trofeos en concursos de pintura, reconocimiento al esfuerzo y la calidad de su trabajo.

A pesar de todo ello, Manuel solía decir que su vocación pictórica era aún “un lienzo en blanco”, y que siempre estaba en búsqueda, con la misma ilusión que el muchacho que comenzaba a dibujar en el barrio de Almócita. Esa humildad y su constante deseo de aprender definen el espíritu de un artista que no se conformaba con lo ya alcanzado.

Hoy, cuando su figura ya pertenece a la memoria del Valle, recordar a Manuel Molina Ibáñez es rendir homenaje no solo a su talento, sino también a su constancia, a su amor por la pintura y a la inspiración que supo legar a quienes lo conocieron. Su obra, repartida entre casas familiares, exposiciones y recuerdos, sigue siendo testimonio de una vida entera dedicada al arte. 🏞

Flamenco de Colores en Padul

 🎨💃 ARTE VIVO EN PADUL: FLAMENCO DE COLORES 💃🎨

✨ Una noche mágica en la Casa Grande ✨

El pasado sábado 2 de agosto, Padul vivió una experiencia única e irrepetible con el espectáculo "Flamenco de Colores", un evento multidisciplinar enmarcado dentro del Festival Cantón Flamenco, donde la música, el cante y la pintura se fusionaron de forma emocionante y profunda.

🔸 ¿Quién es Ana Beltrán Porcar?

Desde Castellón nos visitó la artista Ana Beltrán Porcar, reconocida pintora y performer, con una intensa trayectoria nacional e internacional. Nacida en 1986 en L’Alcora (Castellón), es licenciada en Bellas Artes y máster en Producción Artística. Su obra combina pintura figurativa, simbolismo y acción en vivo, destacando por su expresividad, espiritualidad y fuerza cromática.

📍 Durante Flamenco de Colores, Ana pintó en directo al ritmo del flamenco, con pinceles y probablemente óleo o acrílico, creando una obra poderosa:

👉 Dos manos emergiendo de un fondo acuático, un martín pescador suspendido en el aire, flores de lirio, juncos… Una escena cargada de simbolismo sobre la conexión entre lo humano y la naturaleza, la emoción y la vida.

🖌️ Las pinceladas densas, empastadas y vibrantes —en tonos azules, naranjas, morados y amarillos— hablaban con el cante y el compás. Una auténtica pintura con duende.

🎶 Artistas participantes:

🎸 Diego Molina, guitarra flamenca llena de matices

🎤 Manuel Márquez de Villamanrique, cante jondo con alma

🎨 Ana Beltrán Porcar, pinceles y emoción en vivo

Una velada llena de sentimiento, arte y belleza. Gracias a todas las personas que hicieron posible este encuentro tan especial en la Casa Grande de Padul, un espacio que ya es símbolo de cultura viva en el Valle de Lecrín.

🔚 El flamenco se vio, se escuchó… ¡y se pintó!

Padul sigue siendo referente de creatividad y arte en Granada.

📸 Si estuviste, comparte tus fotos y tu experiencia.

👇 ¡Cuéntanos qué te hizo sentir este Flamenco de Colores!

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